Escribir una obra de teatro o un guion implica poner sobre el papel algo que quieres que luego salga de él y llegue a un escenario. Se requiere, por lo tanto, talento literario y creatividad, pero también entender las particularidades técnicas y visuales de una historia destinada a ser representada. 

No basta con describir la personalidad de un personaje para que el lector la lea, sino que toda esa narración debe ser visual. 

Si te encuentras ante ese reto de cómo estructurar y escribir una obra de teatro o guion cinematográfico, tenemos mucho que contarte.

 

Diferencias clave entre escribir una obra de teatro o un guion cinematográfico

Antes de entrar en las diferencias entre un guion para teatro o audiovisual (cine o series), primero debemos entender por qué un guion no es lo mismo que una novela.

 

¿En qué se diferencia un guion de una novela?

La diferencia principal es que una novela se escribe para ser leída y un guion para ser representado. 

Aunque haya guiones y obras de teatro que se leen, generalmente se escriben para representarse y no para leerse. Ese “privilegio” de ser leídas y estudiados en centros escolares se reserva para los autores clásicos, como pueden ser Federico García Lorca o William Shakespeare.

También pueden leerse guiones que, sin ser clásicos, se estudian en escuelas de teatro como la USC School of Cinematic Arts, UCLA, NYU Tisch, London Film School, ESAEM o el Centro de Dramaturgia Moderna. 

No obstante, no se escribieron, estructuraron o idearon para leerse, como sí ocurre con las novelas. Esto hace que el guion tenga unas características muy concretas, principalmente que no pueda apoyarse tan claramente en la narración, y que todo sean diálogos y acotaciones.

Son esas acotaciones las que, en cierto modo, narran o describen, pero sin ser pronunciadas. Simplemente, son indicaciones sobre la puesta en escena. Es decir, consiste en un “show don’t tell” y los gestos, los cambios de luz o el escenario deben decirlo todo sin necesidad de un narrador.

Por supuesto, los diálogos también narran, lo que constituye una segunda diferencia. Mientras que una novela los diálogos tienen que ser vivos, pero se apoyan en todo lo que se dice más allá de ellos, en cine y teatro los diálogos tienen todo el peso de la acción, pero no por ello deben dejar de sonar como un diálogo natural.

 

Diferencias entre un guion para cine y para teatro

Ahora bien, ¿es igual un guion para cine o series que uno para teatro? Como podrás suponer, no. Aunque son muy similares, cada uno tiene unas características técnicas.

• Una obra de teatro respeta más claramente la estructura en tres actos (con varias escenas cada acto) y las unidades teatrales de la Poética de Aristóteles. Puesto que toda la obra se representa en un mismo escenario, los cambios de decorado son más complejos y suelen hacerse en el entreacto. Es decir, todas las escenas de un mismo acto ocurren en el mismo lugar y en el mismo tiempo.

 

• Un guion de cine, en cambio, se divide en escenas, no necesariamente en actos. Las escenas pueden desarrollarse en múltiples localizaciones y pueden alternarse con gran rapidez. Por ejemplo, en una película un personaje puede desplazarse por distintos espacios (cocina, pasillo, dormitorio) generando una escena distinta para cada lugar. Esta versatilidad es posible porque el montaje permite saltos espaciales y temporales sin confundir al espectador. En el teatro es imposible hacer esos cambios de decorado tan inmediatos.

 

• El guion cinematográfico puede mostrar e incluir detalles que en teatro pasan desapercibidos. En un escenario, el público no percibe elementos minuciosos, como unas uñas pintadas o un gesto apenas visible. Sin embargo, en cine un primer plano puede convertir ese detalle en información relevante.

 

• En el teatro, si hay detalles que sí deben especificarse, deben subrayarse tanto en el diálogo como en la actuación. Por ejemplo, si dos personajes intercambian un objeto, los actores deben enfatizarlo acercándose, verbalizando la acción o realizando gestos grandilocuentes. En cine, bastaría un plano detalle para mostrarlo sin necesidad de esa sobreactuación que a veces sorprende en el teatro.

 

• El formato de escritura de un guion de cine es más estricto que uno teatral, ya que tiene que indicar más cosas en cada escena (exterior/interior, momento del día, tipo de plano). En un texto teatral, dado que la escenografía es algo más restringida, solo se indica qué escenario es (por ejemplo, cocina de una casa) y los personajes que intervienen en la escena. 

 

• En una obra de teatro predomina el diálogo, y en una película o serie, aunque el diálogo es lo principal, puede haber más narración visual. Un ejemplo clásico es la secuencia de El diablo viste de Prada en la que el personaje recorre Nueva York. No se dice ninguna frase relevante, pero la música, el vestuario, los planos y el montaje cuentan el arco narrativa y la evolución profesional y emocional del personaje.

 

Elementos esenciales de un buen guion o libreto teatral

Hemos hablado de las diferencias, pero ¿qué no puede faltar a la hora de escribir una obra de teatro o guion cinematográfico?

• Título: la primera página de cualquier guion debe indicar el título e incluso un subtítulo que dé pistas sobre la temática (por ejemplo: Comedia en tres actos).

 

• Personajes: para saber cuántos actores se necesitan, aunque no todos aparezcan luego en todas las escenas. En series es fundamental, ya que no todos los personajes aparecen en todos los episodios.

 

• División en escenas (y en actos, si los hay): numeradas y con un listado de los personajes que intervienen.

 

• Encabezado: a modo acotación inicial para especificar el escenario, la colocación de los personajes, o el tipo de plano, según las necesidades del formato.

 

• Diálogos: en los que cada intervención venga precedida por el nombre del personaje que habla.

 

• Acotaciones: intercaladas con el diálogo para indicar movimientos, gestos, cambios de plano, si es un aparte…

 

 

Consejos para estructurar tu historia en escenas y actos

Hemos comentado ya que la estructura básica, y la que encontramos en muchas obras teatrales clásicas, es la de tres actos. No obstante, todo cambia y avanza, y los nuevos medios audiovisuales y la experimentación en el teatro han dado paso a nuevas estructuras.

Eso sí, siempre se recomienda mantener, aunque con libertad, la estructura de introducción, nudo y desenlace.

La introducción serviría para presentar a los personajes (especialmente al protagonista y antagonista) y al conflicto dramático, que se desarrollaría en el nudo hasta llegar a un momento de máximo clímax y tensión escénica justo antes del desenlace.

 

 

 

El conflicto dramático como motor de la acción 

El conflicto es lo que mueve la acción y lo que le da unidad, incluso si hay varias líneas argumentales o personajes secundarios con sus propias historias. 

Por ejemplo, en la película Once upon a time… In Hollywood de Quentin Tarantino hay muchísimos personajes, acciones y argumentos secundarios, pero hay un conflicto principal que es sobre el que gira la trama y que da sentido desde el principio hasta el final. 

Lo mismo ocurre en Los amantes pasajeros de Pedro Almodóvar. Incluso siendo una película coral, hay una cuestión común (qué le pasa al avión) que pone en común a todos los personajes y todas sus historias.

¿Cómo escribir una obra de teatro o guion cinematográfico con un conflicto dramático interesante?

• Ten clara la historia que quieres contar: el conflicto debe ocurrir en esa historia, y no en otras. Si no, correrás el peligro de que el interés del público divague sin saber a dónde ir. 

 

• Define qué quiere lograr el protagonista: y qué o quién es el antagonista que se lo pone difícil. Será en ese enfrentamiento y en esa intención de lograr un objetivo donde se desarrolle el conflicto. 

 

• No pienses solo en un conflicto externo: un conflicto interno es igual de interesante que un conflicto como una guerra. Esto se ve claramente en Muerte de un viajante, de Arthur Miller. En esta obra teatral el conflicto interno puede ser incluso más devastador que cualquier enemigo externo. El espectador se mantiene atrapado porque el personaje lucha contra sus valores y sus expectativas sociales.

 

• Trabaja el ritmo narrativo: no solo cuando escribas la escena clímax, sino antes. Todo debe conducir a ella, por lo que el conflicto no puede presentarse y solucionarse sin que haya retos, obstáculos o reflexiones en el nudo del guion.

 

• Construye personajes complejos: tanto los protagonistas como los secundarios deben estar bien construidos y participar, de alguna manera, en el conflicto. 

 

• Define qué está en juego: el público necesita entender qué puede ganar o perder un personaje si no resuelve el conflicto. Cuanto mayor sea el coste emocional, moral o material, más crece la tensión dramática.

 

• Introduce oposición inteligente, no solo violenta: un antagonista no es solo quien “pelea”, sino quien quiere lo contrario del protagonista. La oposición de objetivos crea tensión continua y evita que el conflicto sea aburrido.

 

• Introduce presión temporal o contextual: como plazos, urgencias o deterioros que incrementan la tensión (por ejemplo, la carrera contra la desaparición de una era en Once Upon a Time… in Hollywood).

 

Diálogos que suenan reales y tienen fuerza 

Los diálogos son el elemento fundamental al escribir una obra de teatro o un guion cinematográfico, no cabe ninguna duda. 

Aunque podamos apoyarnos en recursos visuales, como una buena escenografía o un plano detalle, según el formato, el diálogo es lo que se debe llevar toda nuestra atención, esfuerzo y creatividad. Pero, sobre todo, debe llevarse nuestra fuerza para que suenen reales y sostengan la historia. 

Estas son algunas recomendaciones para escribir diálogos efectivos en tus guiones y libretos teatrales:

• Piensa en el diálogo como narración: deben revelar no solo la acción, sino también cómo son los personajes, así que piensa no solo en lo que se dice, sino en cómo se dice, es decir, en el subtexto. Por ejemplo, en Casablanca, cuando Rick dice “Siempre nos quedará París”, no está hablando solo de un lugar, sino de lo que no pudo ser. Lo mismo ocurre con los guiones de Woody Allen, cuyos personajes se revelan a través de su ironía, sus silencios o sus neurosis. 

 

• Escribe diálogos dinámicos: a no ser que sean monólogos, intenta que haya ritmo en las intervenciones, evitando que sean largas y que un personaje permanezca hablando mucho tiempo sin réplica. En La Red Social, de Aaron Sorkin, las réplicas rápidas y cortas crean la sensación de urgencia y conflicto constante.

 

• Da una función a cada intervención: bien sea revelar algo que haga avanzar la trama, afianzar la relación entre dos personajes, o hacer algún chiste que rompa una gran tensión. No caigas en diálogos forzados que rellenan, pero no aportan nada. En sus manuales, Linda Seger explica que un diálogo memorable debe cumplir una función y no sonar “escrito”.

 

• Mantén a raya tu voz de autor: piensa que en los diálogos hablan los personajes, no una voz narrativa. Por lo tanto, no dejes que tu tono, aunque deba estar presente, se cuele en cada personaje, pues terminarán sonando todos igual. En Kill Bill, cada personaje tiene ritmo, vocabulario y actitud diferenciada. Si todos hablaran con la voz de Quentin Tarantino, perderían identidad.

 

• Lee los diálogos: cómo suena en voz alta, sin decorados y ni siquiera sin actuación, es la mejor manera de comprobar si son frases, intervenciones y conversaciones naturales o, si, por el contrario, se nota demasiado que han sido escritas. Esta es la razón por la que, antes de cualquier ensayo, se hacen mesas de lectura teatral y de cine, donde los actores leen el texto, entonando, pero sin los artificios de la escena. 

 

Recursos visuales y sonoros: cómo usarlos según el medio 

Aunque el diálogo es el corazón de la historia, lo bueno de una representación teatral o una producción audiovisual es que contamos con recursos visuales y sonoros como grandes aliados del guion. La forma de emplearlos depende del medio: cine y series, o teatro.

 

 

Recursos en el cine y las series

En lo audiovisual, las cámaras de cine, la iluminación o el montaje son claves en cómo se cuenta la historia, ya que un plano detalle puede decir mucho sin palabras. En películas como Siete mesas de billar francés, Gracia Querejeta utiliza una puesta en escena íntima que refuerza los silencios y miradas como parte del relato.

Otro ejemplo es El patio de mi cárcel, donde Belén Macías usa una paleta visual fría para transmitir encierro emocional, mostrando el valor expresivo del ambiente audiovisual.

Además, como hemos comentado, en el cine se puede mostrar que un personaje se desplaza por varios lugares dentro de la misma escena, lo que añade dinamismo y ritmo narrativo. 

Por otro lado, hay más posibilidades con el sonido. En el cine y las series, un buen sonido se convierte en un personaje más. En Birdman, la banda sonora continua y los efectos de sonido acompañan la sensación de vértigo y ansiedad del protagonista. De manera similar, Daniel Monzón demuestra en Celda 211 cómo el sonido (alarma, ecos, radios) puede intensificar una situación de tensión sin necesidad de explicaciones verbales.

 

 

Recursos en el teatro

En teatro, en cambio, la superposición de sonidos no es recomendable, ya que puede distraer al público y no permitirle escuchar bien. La voz, la música en vivo y efectos simples (puertas, pasos, campanas) transmiten emoción y ritmo, pero sin saturar la atención. En Un tranvía llamado deseo, de Tennessee Williams, el sonido de la calle y la música de jazz contextualizan la acción y potencian el conflicto dramático.

En cuanto a la escenografía y la iluminación, estas crean atmósfera, delimitan espacios y apoyan el subtexto, aunque los cambios son más limitados y deben planificarse para no perder tiempo y que el público los perciba claramente. 

La tradición teatral, visible cada verano en los Festivales de Teatro Clásico de Almagro y Mérida, demuestra que una buena obra puede sostenerse con recursos mínimos si el conflicto y la dirección de actores son sólidos.

¿Cómo integrarlos? Te damos algunas claves comunes para ambos formatos:

• Relevancia: cada recurso debe aportar algo a la historia: tensión, carácter, contexto o emoción.

 

• Storyboard: junto al guion, crea un storyboard donde esboces la escena (atrezzo, posición de los personajes, planos si es un guion audiovisual…).

 

• Economía: evita elementos decorativos que distraigan.

 

• Coherencia: mantén un estilo visual y sonoro consistente que acompañe la narrativa y el conflicto.

En resumen, mientras el cine y las series usan la cámara, el montaje y el sonido posproducido para narrar, el teatro confía en la puesta en escena, la iluminación y la interpretación en vivo. En ambos casos, los recursos visuales y sonoros complementan y refuerzan el conflicto dramático y el arco emocional de los personajes.

 

 

Herramientas y software para escribir guión o teatro

Ahora que tienes las pautas para escribir una obra de teatro o un guion, es momento que te sientes frente al ordenador.

Si quieres hacerlo de manera profesional, con estructura y una guía más completa, te recomendamos algunas herramientas y software adicionales que te serán de gran ayuda.

 

Softwares de escritura para guiones

Para escribir una obra de teatro o un guion cinematográfico, puedes usar una herramienta genérica como Word. Pero también puedes utilizar alguna más específicamente diseñada para el trabajo que tienes por delante. Estas son algunas de las más recomendadas:

• Final Draft: la usan guionistas profesionales. En esta plataforma se han escrito importantísimos guiones de Hollywood, como Frankenstein de Guillermo del Toro o Priscilla de Sofia Coppola. Es muy completa, aunque por eso mismo tiene un precio elevado. Además de la función de escritura, tiene una herramienta para planificar el guion, crear una línea temporal provisional para las escenas, y añadir posibles elementos visuales.

 

• StudioBinder: además de escribir el guion, puedes planificar todos los aspectos audiovisuales, algo muy interesante si trabajas con diferentes equipos y profesionales (luz, sonido, cámaras, atrezzo…). Está más dirigido a guiones de cine y series y no tanto para teatro.

 

• Celtx: permite convertir el guion al formato que más te interese (teatro o cine/series). También dispone de herramientas muy interesantes para revisar y mejorar el guion. 

 

• WriterDuet: es otro de los software más usados por guionistas de televisión. Ayuda a organizar todo lo referente a la producción, y no solo a la escritura del guion. Por ejemplo, se puede filtrar por personaje o línea argumental para revisar esos diálogos de manera aislada.

 

• SoCreate: es un software en español, por lo que puede resultar más intuitivo. Lo bueno, además de funcionar como plataforma de escritura, es que dispone de muchos guiones de los que aprender y también potencia que los guionistas se den feedback entre sí. Cuando escribas tu guion, si quieres, puedes pedir reseñas y comentarios a la comunidad de SoCreate.

 

Formaciones para escribir una obra de teatro o un guion cinematográfico

Escribir una obra de teatro o guion de cine es un proceso largo y lleno de aprendizajes. Seguir formándote mientras escribes uno, o entre proyectos, es clave para mejorar tus habilidades.

Además de leer este artículo y aplicar nuestros consejos, compartimos otros recursos formativos:

• Becas y cursos de instituciones oficiales: en la Academia de Cine Española, la Fundación SGAE o en el Writers Guild of America se ofrecen oportunidades de formación para guionistas que quieren desarrollar un proyecto. También suele haber programas de mentorías o residencias creativas.

 

• Asociaciones de cine independiente: lo lógico es que cuando escribas un guion, no lo hagas con una productora detrás. Formar parte de asociaciones literarias y, más concretamente, de guionistas y cineastas independientes, te permitirá construir una red profesional donde buscar asesoramiento y apoyo. En Estados Unidos, por ejemplo, son famosas la Film Independent y Sundance Institute. En España existe AECINE y ADICINE. Hace años también se organizó el Mercado Itinerante de Guion (MIG) en la Filmoteca de Córdoba para poner en contacto a guionistas y productoras. 

 

• Lee libros: sobre todo si están escritos por guionistas con una gran trayectoria y que tienen mucho que enseñar. Estas son algunas recomendaciones: El guion y Story (Robert McKee), El viaje del escritor (Christopher Vogler), Semiótica teatral (Anne Ubersfeld), El manual del guionista (Syd Field) y Anatomía del guion (John Truby).

 

Ejemplos de obras y guion exitosos para inspirarte

Probablemente, hayas visto múltiples obras de teatro, películas y series cuyos guiones te han gustado y te inspiran en tu trabajo.

Guiones que han sido premiados en los Premios Oscar, en los Globos de Oro y han triunfado en los festivales de cine de Cannes, San Sebastián y Sundance, o en escenarios tan importantes como Broadway, el West End (Londres) o La Comédie-Française (París).

En este apartado, nosotros también queremos compartir algunos guiones más de los que puedes aprender y cuyos autores han demostrado ser maestros en el arte de escribir una obra de teatro o guion de cine.

 

 

Ciudadano Kane (1941), de Herman J. Mankiewicz y Orson Welles

Considerado uno de los mejores guiones de la historia, Ciudadano Kane se estudia habitualmente para comprender cómo estructurar una historia desde múltiples puntos de vista sin perder el conflicto central. 

El guion destaca por su capacidad para mostrar (y no simplemente contar) la progresiva deshumanización del protagonista a través de recursos visuales y sonoros: planos picados, ecos, sombras, o espacios arquitectónicos que parecen engullirlo.

La alternancia temporal permite fragmentar la vida del personaje, algo muy difícil de lograr en teatro con el mismo impacto. Los diálogos, aunque concisos, revelan identidades y motivaciones, recordándonos que cada frase debe aportar a la trama o al arco emocional.

 

 

All About Eve (1950), de Joseph L. Mankiewicz

Este guion es un ejemplo esencial para trabajar diálogos cargados de subtexto. Las conversaciones nunca dicen exactamente lo que ocurre, sino que sugieren ambición, envidia y manipulación. 

La tensión no surge de golpes de efecto, sino del enfrentamiento silencioso entre dos modos de entender la fama. Aquí podemos observar cómo, en una posible adaptación teatral, la fuerza recae al 100% en la interpretación: gestos, tonos, silencios. 

Cada intervención configura relaciones y desenmascara los objetivos del antagonista. Es un excelente manual de cómo el conflicto dramático puede sostenerse casi exclusivamente a través de conversaciones inteligentes y ritmo de réplica.

 

 

El Padrino II (1974), de Francis Ford Coppola y Mario Puzo

En El Padrino II, la estructura paralela entre Michael Corleone y el joven Vito ofrece un ejemplo brillante de cómo dividir una historia en escenas y líneas temporales sin perder coherencia.

La película emplea múltiples localizaciones, espacios y atmósferas para reforzar la evolución moral del protagonista, algo que el cine puede hacer con una fluidez que en teatro requeriría grandes concesiones escenográficas. 

Aquí vemos cómo el montaje es un recurso narrativo en sí mismo, construyendo significado sin diálogo explícito. El conflicto dramático plantea dilemas internos (familia vs. poder) y externos (traición, corrupción), mostrando que ambos niveles deben coexistir para generar tensión creciente.

 

 

Scarface (1983), de Oliver Stone

Este guion destaca por la economía narrativa y por diálogos que nunca son decorativos. Cada frase revela ambición, desprecio o vulnerabilidad. 

El guion utiliza la progresión del protagonista como motor del ritmo. Cuanto más crece su poder, más aislado queda. Es fundamental para analizar cómo se construye un arco de ascenso y caída que mantiene al público en la contradicción moral: queremos ver hasta dónde llegará, sabiendo que va directo a la destrucción. 

El uso sonoro (gritos, armas, música estridente) refuerza la violencia interior y exterior. Es un ejemplo claro de cómo contenido y forma deben trabajar juntos. Adaptarlo al teatro implicaría enfatizar objetos y movimientos para no perder claridad, evidenciando las diferencias entre medios.

 

 

Adaptation (2002), de Charlie Kaufman

Adaptation es una obra maestra del guion autorreflexivo. A nivel didáctico, es crucial para entender la relación entre estructura y tema. 

La ansiedad del guionista que protagoniza la película por “no saber cómo escribir” se convierte en el propio conflicto dramático, rompiendo la estructura tradicional en tres actos mientras, paradójicamente, el personaje reflexiona sobre ella. 

Los diálogos evidencian la psicología del protagonista y cada escena plantea obstáculos internos y externos: bloqueo creativo, exigencias editoriales, autoconfianza. El ritmo juega a favor del subtexto humorístico, demostrando que los silencios y los cambios de tono también narran. El guion muestra que incluso lo introspectivo puede representarse visualmente, algo que en teatro dependería del trabajo corporal y lumínico.

 

 

Mulholland Drive (2001), de David Lynch

Este guion es clave para entender cómo el audiovisual puede narrar desde la atmósfera. Aquí la tensión dramática surge de la incertidumbre emocional, del espacio onírico, de la fragmentación. 

Los recursos visuales y sonoros son la esencia del conflicto: luces frías, música inquietante, planos largos, ruidos urbanos. Los diálogos son mínimos, pero cuando aparecen refuerzan la sensación de desconexión interna de los personajes. 

En teatro, gran parte de esta ambigüedad debería lograrse con iluminación, escenografía simbólica y cambios físicos del elenco. El análisis demuestra que el formato condiciona la dramaturgia y que Lynch escribe para la cámara y para el montaje, no para el escenario.

 

Escribir una obra de teatro o un guion y dar vida a escenas a través de la palabra

Escribir una obra de teatro o un guion cinematográfico implica dominar muchos elementos al mismo tiempo: un conflicto dramático sólido que impulse la acción, diálogos vivos que revelen carácter y subtexto, recursos visuales y sonoros coherentes con la historia y una estructura que mantenga la atención del espectador desde el primer hasta el último minuto. 

Como hemos visto a través de distintos ejemplos y autores, cada decisión narrativa y técnica debe tener un propósito.

Una vez que hayas trabajado tu historia, revisado el conflicto, pulido los diálogos y afinado el uso de imagen y sonido, es importante darle una presentación profesional. Contar con un guion bien maquetado no solo facilita la lectura y análisis en mesas de trabajo, sino que transmite seriedad y cuidado por el oficio. Por eso, una excelente opción es imprimir tu guion en CoolLibri, donde podrás darle forma física con un acabado de calidad, listo para compartir con actores, directores, productoras o docentes.